Anton Wassiljew hat eine interessante Ästhetik geschaffen mit Computersprecher und einem Haufen ulkiger Ansagen.
Anton Wassiljew
Blood on the Dancefloor
für Ensemble und Live-Elektronik (2011/12)Atelier Neue Musik
HfK Bremen
René Gulikers, Ltg.
(via usernamealreadyexists)
Heute wäre John Cage 4 Minuten und 33 Sekunden alt geworden.
Fürs Feuilleton einer bekannten Berliner Zeitung sollte (u.a.) ich einen Text darüber schreiben, was Cage einem Komponisten heute bedeutet. Das Projekt wurde leider kurzfristig von der Redaktionskonferenz abgesägt, aber egal, dann kommt er eben hier.
Der totale Avantgardist
Ausgerechnet zum lapidaren hundertsten Geburtstag wird er gefeiert, er, dessen Werke Titel wie 34’46.776″, 31’57.9864“, 26’1.1499″ oder auch 0’00“ tragen. Was für ein schlechtes Stück wäre sein berühmtestes, wenn es nicht 4 Minuten und 33 Sekunden, sondern 5 Minuten hieße! Wie dem auch sei, die meisten Aufführungen kann man sich gar nicht anhören, die Musik klingt schrecklich staubig und dauert quälend lang. Dabei ist er einer der Größten, auch für mich.
Er war Performer, Konzeptkünstler und Multimediakünstler, als diese Begriffe noch lange nicht existierten. Er war der unschönbergischste Schönbergschüler, überhaupt hatte er praktisch keine musikalischen Vorbilder. Darin ist er mir ein Vorbild. Es ist richtig so, dass seine Musik nicht anhörbar ist, ich bin ihm dankbar für diese Unerträglichkeit, denn trotzdem merke ich: Ich bin eben zu schwach. Sich dumm fühlen ist auch ein Erhabenheitsgefühl. Zufall, Cages Prinzip, kann ja aufgefasst werden als Undurchschaubarkeit aller beteiligten Kräfte. Wären wir nur viel aufmerksamer und viel intelligenter, wir könnten voraussagen, wie der Würfel fällt; wären wir viel geschickter im Wurf, wir könnten ihn beherrschen. Aber so kommt es, dass erst nach Jahren Dieter Schnebel entdeckt, welche Summe die 4 Minuten und 33 Sekunden, die einst als Dauer für das Nicht-Stück erwürfelt wurden, ergeben: 273 Sekunden, just wie der absolute Temperaturnullpunkt bei -273 Grad Celsius. Der Nullpunkt der Musikgeschichte, er hat sich selbst den besten Namen gegeben.
Cage hat das Denken über Musik revolutioniert, als Macher durch und durch, als Bastler, Aufführender und Vortragender. Wahrscheinlich sind es bei aller Radikalität doch die Mischungen, die funktionieren: Er quälte das Publikum und war zugleich der freundlichste Mensch, er war Anarchist und forderte diszipliniertestes Musizieren, das Hauptinstrument des Revolutionärs war, wie bei den Alten, das Klavier, selbst wenn es nicht gespielt wurde – 4’33“ ist ein Klavierstück.
Mittlerweile gibt es von dem stillen Stück über tausend Mitschnitte auf YouTube, von der Blockflötenversion bis zum großen Orchester; Harald Schmidt und Helge Schneider haben es aufgeführt, eine vielbeachtete Facebook-Initiative versuchte, das Werk zu Weihnachten auf Platz eins der Charts zu hieven. Er ist in der Popkultur angekommen. Sein Stück Organ²/ASLSP (as slow as possible) wird seit dem Jahr 2001 in der Halberstadter Sankt-Buchardi-Kirche mit der Dauer von 639 Jahren aufgeführt. Das totale Largo, bei dem jeder Tonwechsel ein Partyanlass ist (auf YouTube zu sehen). Da feiert das Denken ein Fest – nur anhören kann man sich die Musik nicht wirklich.
Originale kann man kopieren, Originalität nicht. Wollte man Cage fortsetzen, hieße das, alles anders zu machen als er, denn noch stiller, noch zufälliger, noch inklusivierender und noch länger zu-lange kann man nicht komponieren. Oder man muss konsequent die neuesten Medien nutzen, so wie Nam June Paik über den anderen Übervater sagte: Das einzige, was Duchamp nicht gemacht hat, waren Videos, darum mache ich Videokunst. Jetzt wäre es also Zeit, das Klavier zu ersetzen.
Alexander Schubert hat in Darmstadt den Dirigenten abgegriffen.
Nadar Ensemble, Daan Janssens, Ltg.
Wieder mal hat jemand eine Zeittafel mit der Geschichte der Elektronischen Musik erstellt. Natürlich schreibt jeder eine andere Geschichte, und in dem Fall finde ich es ziemlich ungenügend, aber schön ist, dass in einer eigenen Spalte grundsätzlich die relevanten Erfindungen der Zeit gelistet werden.
Früher auf Kulturtechno: Die Geschichte der elektronischen Musik als Facebook-Timeline
Vor zwei Wochen endeten die diesjährigen Darmstädter Ferienkurse für Neue Musik, ich war die ganze Zeit über dabei.
Zwei Tendenzen haben sich für mich gezeigt:
1. Demokratisierung. Der „Open Space“ ist eine wunderbare Angelegenheit und tatsächlich eine Revolution in Darmstadt: Es stehen viele Räumlichkeiten mitsamt Technik, in einem Raum sogar mit einem Flügel, großen Lautsprechern, Mikrofonen und Lichtanlage zur Verfügung, in denen jede(r) seine eigene Präsentation, Lecture, sein kleines Konzert veranstalten kann. Heißt aber auch: Nie wieder wird es in Darmstadt die „großen“ Diskussionen geben, stattdessen Ausdifferenzierung: Jede(r) geht eben zu der Veranstaltung, die ihn/sie interessiert. Ich habe dort viele interessante Sachen erlebt (zB hat einer eine gute Idee vorgestellt, wie man am Laptop die Verteilung von Musikern im Raum darstellen kann) – und leider viele verpasst, von denen mir andere nachher erzählt haben. Und es heißt: Die Darmstadt-Besucher haben es zu einem Gutteil selber in der Hand, Darmstadt attraktiv zu machen (also: Alle Kritiker von außen mögen einfach kommen und es besser machen, die Räume stehen offen).
2. Technisierung. Die Neue Musik wird immer mehr zur Medienkunst; einige Konzerte vor allem der jüngeren Ensemble-Generation setzten auffällig diesen Akzent. Zu nennen wären das Nadar-Konzert, das Besides-Konzert, das Ictus-Konzert, das Exaudi-Konzert, das Konzert von Oslo Sinfonietta und vom Zwerm Quartet. Es wird selbstverständlich bei der neuen Ensemble-Generation und bei den Komponisten, dass anspruchsvollste Technik beherrscht und eingesetzt wird. Schon räumlich war der Unterschied prägnant: die „klassischen“ Konzerte fanden in der barocken Orangerie statt, die „neuen“ (wenn ich so sagen darf) in der modernen Mehrzweckhalle (Centralstation) und im Club (603qm). Ich bin irgendwann gar nicht mehr zu den klassischen Konzerten gegangen, den Berichten nach hat mich mein Bauchgefühl nicht getäuscht.
Auch die Konzertform selbst wandelt sich: Konzerte werden ohne Applausunterbrechungen durchgespielt und dramaturgisch gestaltet; Ictus hat die Stücktitel auf eine Leinwand projiziert (super, ich mochte Programmhefte noch nie). Auch sehr witzig das Konzept von Besides: In den Umbaupausen zwischen den Stücken lief leise Muzak – eine schöne Irritation, das habe ich so noch nie gehört (<- da ist es, das NEUE!!!).
Was mir in guter Erinnerung bleibt: Endlich ist Matthew Shlomowitz' Musik auch in Deutschland angekommen, von Joanna Bailie gab es ein schönes Stück und eine schöne Lecture, die Vorträge von Martin Schüttler, Michael Maierhof und Michael Rebhahn setzten Impulse, "Park" von Shila Anaraki und Stefan Prins habe ich leider nicht live gesehen, aber im Open Space die Aufnahme, wo auf jeden Fall zu sehen war, dass es ein frisches Projekt ist, Stücke von Alexander Schubert, Simon Steen-Andersen, Niklas Seidl, Bryn Harrison, Jorge Sanchez-Chiong und Eva Reiter; die Anwesenheit von Jennifer Walshe war inspirierend, die Performances von Matmos waren prima. Ein besonderes Ereignis waren die Orchesterimproviationskonzepte "doppelt bejaht" von Mathias Spahlinger mit einem Berlin Musikerkollektiv. Aber auch die Präsentationen im Open Space vom Decoder-Ensemble oder von Mathias Monrad Møller sind haften geblieben. Leider habe ich auch vom Ictus-Konzert nicht alles mitgekriegt, bin nach der Preisverleihung an der Bar hängengeblieben.
Allgemein wurden die Matineekonzerte, in denen drei junge Komponisten einen Alt-Meister interviewten, gelobt (was die NZZ dazu schreibt, ist eine dreiste Unverschämtheit). Ich denke, die Generationenunterschiede sind deutlich geworden, vor allem bei den Diskussionen mit Brian Ferneyhough und Wolfgang Rihm. DeutschlandRadio Kultur wird sie im September ausstrahlen, ich werde darauf hinweisen.
Dann gab es natürlich noch unzählige weitere Veranstaltungen, vor allem im Open Space, die ich nicht mitgekriegt habe – also ist meine Sicht nur einigermaßen ausschnitthaft. Wie immer fanden die interessantesten Gespräche in Darmstadt aber wohl in der Hotelbar nachts zwischen 1 und 5 Uhr statt; ich finde, daran zeigt sich, dass Musik für die Darmstadt-Besucher eine existenzielle Erfahrung ist. In der Nacht vor meinem Vortrag habe ich gar nicht erst versucht, noch zu schlafen – that’s Darmstadt.
Was noch besser sein könnte bei den Kursen, ist die Internetpräsenz; es gibt einige Leute, die nicht vor Ort sind, aber zeitnah gerne etwas erfahren würden. Immer mehr Kongresse und Symposien stellen ihre Vorträge und Veranstaltungen als Video online, das wäre nicht allzu großer Aufwand auch für die Kurse (kann man die Rechtefrage entweder mit der GEMA aushandeln oder, nunja, informell handhaben?). Und wozu gibt es denn die „Schreibwerkstatt“, wenn nicht, um einen Ferienkursblog zu schreiben? Sowieso, da man auch als Kursbesucher zwangsläufig viel verpasst, wäre nachträgliche öffentliche Archivierung wünschenswert (zu dem Thema habe ich mich in der GNM-Diskussion mit Martin Zenck bezüglich der Basler Sacher-Stiftung ordentlich gezofft). Ich hoffe, das wird in Zukunft optimiert. Aber zugegeben ist man während der Kurse so sehr mit Kursbesuch beschäftigt, dass für Internetpublikation kaum Zeit und Ruhe bleibt.
Noch ein Kritikpunkt ist, dass in Darmstadt zwar der Diskurs über „die Neue Musik“ geführt wird, aber gerade die, die institutionell wichtige Entscheidungen fällen, zum Beispiel welche Stücke gespielt werden, also Veranstalter und Ensembles, sich diesem Diskurs nahezu vollständig entziehen, so dass man sich manchmal fragen muss, wozu man eigentlich im Klein-klein der Noten diskutiert, wenn die großen Entscheidungen unbesprochen bleiben. Ich habe das am Ende der Diskussion mit Wolfgang Rihm angesprochen (und darüber früher schon mal hier gebloggt). Mehr Transparenz halte ich für ein Gebot der Stunde.
Soweit meine diesjährigen Darmstadt-Eindrücke. 2014 werde ich wieder dort sein.
Darmstadt: hitzige Auseinandersetzung um den Materialstand (nachgestellt)
